El blog de Mario Abbagliati

La tonalidad de E mayor es posiblemente la más común en el estilo de blues. Ello, sin duda alguna, se debe a que es el tono favorito de de los guitarristas de blues rural del Mississippi. Cuando muchos de estos músicos del sur de USA empiezan a emigrar a las ciudades industriales del norte, especialmente Chicago, llevan con ellos su tradición musical, a la cual añaden instrumentos eléctricos. La figura más importante de este movimiento es Muddy Waters, no sólo por sus propias grabaciones, que son clásicas, si no también porque por sus grupos pasan algunos de los músicos más importantes del género, como Buddy Guy y Little Walter, entre otros.

Mientras en el tono de A mayor todos los riffs se pueden tocar con cuerdas al aíre, ello no sucede así en E, donde el acompañamiento sobre B7(V) obliga a trasportar el riff a la segunda posición. Esto exige que la mano se abra bastante, lo cual según el nivel de técnico, puede requerir cierta práctica hasta que el acompañamiento pueda ser ejecutado con fluidez (Fig. 1).

Fig. 1













A continuación vemos como queda configurado el acompañamiento para un blues de 12 compases en E mayor (Fig. 2).

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En la unidad anterior vimos como la triada de C mayor tenía un primer desarrollo natural que consistía en invertir el acorde por un lado y armonizar la escala mayor usando la posición fundamental, 1ª y 2ª inversión por otro. Esto en si es una gran cantidad de información, especialmente si se tienen en cuenta los diferentes set de cuerdas en los que se pueden tocar, así como las tonalidades en las que se pueden aplicar. Por lo tanto, el tener una metodología de estudio clara es fundamental para eventualmente tener un control adecuado de todos los voicings, independientemente de la posición, tonalidad y progresión de acordes.

El estudio de los voicings dentro de una progresión de acordes es de la máxima importancia, porque lo pone en un contexto más cercano a una situación real, como las que se pueden encontrar en una composición. Son seis las progresiones en las que un acorde se puede mover dentro de un tono, divididas en tres grupos.

• Segundas, ascendentes y descendentes (Fig.1).
• Terceras, ascendentes y descendentes (Fig. 2).
• Cuartas, ascendentes y descendentes (Fig. 3).

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En todo repertorio de blues/rock debería estar este clásico de Hendrix. Es de esas canciones que son fáciles de tocar inicialmente pero que se pueden ir puliendo durante mucho tiempo.

En este vínculo pueden encontrar un backing track.

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Abajo tienen un video de como tocar la introducción.

Peter Bernstein es uno de lo guitarristas de jazz actuales más representativos del be bop. Siempre me ha llamado la atención como ha sabido reconciliar su propia voz con el legado de la tradición. Mientras otros suenan como meros repetidores de frases, licks, etc. Peter Bernstein es pura frescura e imaginación. Su solo en I Mean You de Thelonious Monk, del disco Group 15 Plays Monk, es muy representativo de ello.

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Albert King, uno de los tres reyes del blues junto a B.B. King y Freddie King, es uno de los guitarristas más influyentes del estilo. Acá está la transcripción de su tema Born Under A Bad Sign del disco del mismo título. Es un clásico que ha sido versionado por Eric Clapton, en solitario y con Cream, Jimi Hendrix y Robben Ford entre otros.

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Aquí tienen un backing track.

Pat Martino es, sin lugar a dudas, uno de los guitarristas de jazz más importantes de todos los tiempos. Ninguna lista estaría completa sin él. Su carrera comienza en los sesenta, enclavado en lo que se conoce como soul-jazz, aunque su discografía abarca diversos géneros del jazz, desde piezas para guitarra sola al hard-bop y la fusión.

Uno de los rasgos más distintivos del estilo de Pat Martino es lo que él llama conversion to minor, que consiste en establecer una equivalencia entre un sonido menor y cualquier otro acorde, ya sea este mayor, dominante o semidisminuído. Tanto Wes Montgomery como Grant Green utilizaron este recurso con frecuencia, pero debemos a Martino el hecho de haberlo codificado y expandido.

Antes de de continuar, hay que reseñar que, aunque su concepto se puede explicar en términos de escalas y modos, él en ningún momento organiza sus improvisaciones de esta manera. El punto de partida para él es el vocabulario, el cual va adquiriendo con el paso del tiempo, a través de la experiencia y la práctica. En ningún momento establece conexiones con modos. Este enfoque es típico de los músicos de su generación, donde el conocimiento se transmite de forma oral, interactuando con otros músicos, copiando los discos, etc. En su foro él mismo comenta sobre el tema.

El concepto de convertir a menor consiste en encontrar una equivalencia entre un sonido menor y cualquier otro tipo de acorde. Veamos exactamente en que consiste. Tomemos como punto de partida la triada de Fm (Fig. 1)

Fig. 1



















Un acorde sencillo como este cobra nueva vida al añadir diferentes notas en el bajo que funcionan como tónicas, estableciendo así nuevas armonías (Fig. 2).

• Fm con Db en el bajo equivale a DbM7.
• Fm con Ab en el bajo equivale a Ab6
  
• Fm con D en el bajo equivale a Dmb5.
• Fm con Bb en el bajo equivale a Bb9.
• Fm con E en el bajo equivale a E7b13b9.

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Todo acorde tiene un desarrollo natural que no siempre es aparente. Para una correcta comprensión del mismo, es necesario estudiar todas la ramificaciones que están implícitas en el voicing , cualquiera que sea este.

Tomemos como punto de partida una triada C, con disposión 153, esto es, tónica, quinta y tercera, de abajo a arriba (Fig. 1).

Fig. 1




















Son dos los desarrollos iniciales que se pueden aplicar a todo voicing. Por un lado, se puede mover por la escala mayor armonizándola (Fig. 2), y por otro se puede invertir, colocando la tercera (primera inversión) o la quinta (segunda inversión) en el bajo (Fig. 3). De esta manera generamos un nuevo set de acordes.

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Larry Carlton, tambien conocido como Mr. 335, es, sin duda, uno de los grandes. Músico de sesión de incontables grabaciones de los 70 y 80, es uno de esos "guitarrista de guitarristas."

Recientemente ha añadido a su web MR.335 TV, en donde tiene mucho material didáctico de primera calidad, que forma parte de la master class 335 Blues, un pack de 4 CD-ROM interactivos. Si uno se da de alta, se pueden bajar las partituras con TAB de todos los ejemplos. ¡Suena mortal!

La mayor parte de ellos tienen que ver con su estilo de tocar blues. Es uno de los grandes estilistas del género, inmediatamente reconocible por su sonido, fraseo, touch y selección de notas.

Su discografía como líder es bastante extensa ya, a menudo en lo que se llama smooth jazz. No por ello ha dejado de grabar blues. Acá van algunas de mis recomendaciones.

Larry Carlton (1978). De su primer disco vale la pena escuchar Don't Give It Up, un cruce entre un blues y Freeway Jam de Jeff Beck. La balada It Was Only Yesterday es muy recomendable también.








Casino Lights (1982). Disco recopilatorio del festival de Montreaux. Su solo en Your Precious Love hace "hablar a la guitarra." Increíble.









Friends (1983). Ultimo disco que graba para Warner Bros. Cabe destacar Blues For T.J. ¡un dueto con B.B. King!










Last Nite (1986). Probablemente su disco menos producido. Un directo en el club Baked Potato. Toca un blues fantástico B.P. Blues. Mucha y buena guitarra.









Sapphire Blue (2004). Finalmente graba un disco dedicado exclusivamente a blues. De lo mejor de su trayectoria, lo cual ya es decir.









Larry Carlton Instructional DVD. Gran DVD didáctico, de los que más se aprenden. Claro, con ideas originales y precisas, tocado excepcionalmente. Pincha aquí para ver una muestra en streaming video.














Para terminar les dejo estos videos tocando blues. B. P. Blues de su disco Last Nite y Just An Excuse de Sapphire Blue. Las palabras sobran...

Sugar Ray & the Bluetones. Rockin' Sugar Daddy. Gran disco para oír guitarra rítmica en blues. Kid Bangham , que reemplazó a Jimmie Vaughan en The Fabulous Thunderbirds, es un gran conocedor del estilo, tanto como acompañante como solista.








Anson Funderburgh And The Rockets. Talk to you by hand. Texas blues con influencias de Chicago. Muy buenas guitarras rítmicas también.









Jimmie Rogers with Ronnie Earl and the Broadcasters. Fantástico disco de Ronnie Earl, uno de los grandes guitarristas de blues de la actualidad, junto a Jimmie Rogers, guitarrista de Muddy Waters en los 50, y gran representante del blues de Chicago y el sonido Chess.







Duke Robillard. Duke's Blues. Otro de los grandes de la escena actual, con un conocimiento enciclopédico del blues, estilos y figuras. Ya iré recomendando más cosas de él, porque tiene joyas en su catálogo.

Rara vez se mantiene el patrón de shuffle sin modificaciones. Los grandes especialistas del género saben introducir sutiles variaciones en el patrón que le imprimen movimiento, le añaden variedad rítmica y melódica, y aportan al arreglo general de la canción.

A continuación vemos dos sutiles variaciones del patrón anterior las cuales nos permiten mantener el interés en el acompañamiento (Fig. 1-2).

Fig. 1












Fig. 2













En las Fig.3 y 4 vemos dos maneras de desarrollar los patrones anteriores añadiendo un movimiento en el bajo, una vez introduciendo la variación en el cuarto tiempo, otra vez en el segundo.

Fig. 3












Fig. 4













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Emily Remler fue una gran guitarrista que desafortunadamente nos dejó demasiado pronto. Cuando era alumno en el GIT tuve la oportunidad de tocar un standard con ella.

Su solo en Joy Spring es ideal para ver recursos sobre II - V - I que duran dos tiempos por acorde y modulan rápidamente. Es un rasgo característico del jazz, especialmente del be bop y hard bop.


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La colaboración de Jimmie Vaughan con Omar Kent Dykes On The Jimmy Reed Highway es un muy buen disco para oír los patrones de shuffle ejecutados por dos expertos en el tema. Además, tocan todos los clásicos de Jimmy Reed y las guitarras se oyen muy claras.







El DVD Live In London de 1985, con Jimmie Vaughan y The Fabulous Thunderbirds está lleno de ejemplos del patrón de shuffle y se ven muy bien. ¡Recomendable!

El blues de doce compases es la estructura más común del estilo blues, y esta formada por el primer, cuarto y quinto acorde de la tonalidad. Se utilizan los números romanos I, IV y V para referirse a ellos, pues indican los grados a los que corresponden dentro del tono. Por ejemplo, en la tonalidad de A mayor los acordes I, IV y V serán A, D y E (Fig. 1).

Fig. 1

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En esta lección exploraremos el patrón básico de acompañamiento en blues. Es conocido como el ritmo de Jimmie Reed, en honor a este músico, el cual hizo un uso exhaustivo del mismo. No obstante, este acompañamiento ya se encuentra presente en las grabaciones de los años treinta del siglo XX de Robert Johnson, en composiciones como Sweet Home Chicago, When You Got A Good Friend o I Believe I'll Dust My Broom. Es un ritmo de capital importancia, pues sobre él se asienta una gran parte de la guitarra rítmica de blues.

Un blues de doce compases en A se compone de tres acordes: A, D y E. Sin embargo, estos acordes rara vez son tocados tal cual. Lo más común es que sean sustituidos por un patrón más sofisticado. En la Fig.1 vemos el patrón de Jimmy Reed para A, D y E usando cuerdas al aire.

Para conseguir una correcta articulación hay que ejecutarlo usando golpes de púa descendentes, acentuando los que caen a tiempo y asegurándonos de que con la palma de la mano apagamos ligeramente las cuerdas, consiguiendo así un sonido más claro y compacto. Así mismo, la subdivisión es atresillada, lo que se conoce como shuffle.

Fig. 1








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En el siguiente video Keith Wyatt, con el que tuve la suerte de estudiar, muestra el ritmo de shuffle aplicado al blues.

Clifford Brown es uno de los grandes trompetistas de la historia del jazz, compositor de un buen número de composiciones que se han convertido en standards. El quinteto que lideró junto al batería Max Roach es uno de los más importantes de la historia del jazz.

Sandu en un blues de medio tiempo en Eb, head habitual en jam sessions. En el volumen 53 de Jamey Aebersold dedicado a Clifford Brown hay un backing track muy bueno, sin embargo cuesta encontrarlo, pues ha sido descatalogado.

Pincha aquí para ver una transcripción de su solo.

El fraseo shuffle o swing hace referencia a una división atresillada de los tiempos de un compás. Esta es una característica esencial de estilos como el blues y el jazz, aunque también es muy común en el rock y funk.

En 4/4, el compás se compone de 4 tiempos, siendo la negra representación gráfica de ello (Fig. 1). Cada tiempo o pulso (beat en inglés) se puede dividir así mismo en dos partes iguales que se llaman corcheas, y su valor corresponde al 50% del tiempo. Generalmente se dice que cae a tierra o a tiempo la primera corchea, la cual está justo en el tiempo, mientras la segunda, cae a contratiempo, o en el y del tiempo (Fig. 2). Las corcheas se pueden agrupar de 4 en 4 (Fig. 3). Este tipo de corcheas se suelen denominar straight o even, expresiones en inglés que en ocasiones se añaden al pentagrama como texto. Pincha aquí para oír como suenan las corcheas straight.


Fig. 1





Fig. 2






Fig. 3






El pulso no sólo se puede dividir en dos partes iguales, si no también en 3. Cuando así sucede, se forman tresillos de corchea, donde cada corchea vale 1/3 del tiempo (Fig. 4).

Fig. 4






El efecto shuffle aparece cuando en un tresillo de corcheas se suman las dos primeras corcheas de cada grupeto, donde la primera nota vale entonces 2/3 del tiempo y la segunda 1/3 (Fig. 5). La unión de dos corcheas forman una negra, por lo que la representación gráfica más común del shuffle es de negra más corchea dentro del tresillo (Fig. 6).

Fig. 5





Fig. 6






Buscando la comodidad en la notación y la lectura, se tiende a escribir las corcheas con swing como corcheas normales, añadiendo la explicación de que se interpreten atresilladas (Fig. 7).

Fig. 7

Taj Mahal lleva tocando más de 40 años y tiene un conocimiento enciclopédico del blues y estilos afines. Aquí va una transcripción de su tema Quee Bee, del disco Señor Blues, por el que se llevó un grammy. El tono original es en Bb, con cejilla en el tercer traste, aunque también tocar en G.

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Mike Eldred es un guitarrista que conocí a través de dos discos de blues de Lee Rocker, el bajista de los Stray Cats, la banda de rockabilly de Brian Setzer. Que bien que toca todo eso que los gringos llaman roots music, es decir rock de raíz, rockabilly, blues, R&B, etc. En su web se puede escuchar su disco entero. En la actualidad trabaja en la Fender Custom Shop, en cuya web hay unos vídeos de él tocando y explicando los nuevos productos.

Los discos de Lee Rocker son Big Blue y Atomic Boogie Hour. Los dos muy recomendables para los amantes del sonido vintage.

Peter Green es uno de los grandes guitarristas de blues británicos de los sesenta, que, después de tocar en el disco A Hard Road de John Mayall's Bluesbreakers, funda la legendaria banda Fleetwood Mac, que en su primera versión era básicamente un grupo de blues. De su segundo disco, Mr. Wonderful , proviene la transcripción del solo de If You Be My Baby, blues de medio tiempo en D.

Lo que me llama la atención de Peter Green en general, y de este solo en particular, es que a primera vista no es técnicamente dificil de tocar, pero con el paso del tiempo uno va descubriendo todos los detalles y sutilezas, y se da cuenta de la profundidad de lo que dice. Como dicen en inglés, less is more. Dejo para una entrada posterior el análisis del solo.

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Gary Moore grabó un disco tributo, Blues For Greeny, que es bastante interesante, donde también realiza una versión de If You Be My Baby, tocando las frases originales, nota por nota.